"LES PHARES" (in "Les Fleurs du Mal", 1857) DE CHARLES BAUDELAIRE, SOURCE D'INSPIRATION POéTIQUE (de la nouvelle expo) DU CPM...

Rubens, fleuve d'oubli, jardin de la paresse,
Oreiller de chair fraîche où l'on ne peut aimer,
Mais où la vie afflue et s'agite sans cesse,
Comme l'air dans le ciel et la mer dans la mer ;

Léonard de Vinci, miroir profond et sombre,

Où des anges charmants, avec un doux souris
Tout chargé de mystère, apparaissent à l'ombre
Des glaciers et des pins qui ferment leur pays,

   

Rembrandt, triste hôpital tout rempli de murmures,
Et d'un grand crucifix décoré seulement,
Où la prière en pleurs s'exhale des ordures,
Et d'un rayon d'hiver traversé brusquement ;

Michel-Ange, lieu vague où l'on voit des Hercules
Se mêler à des Christs, et se lever tout droits
Des fantômes puissants qui dans les crépuscules
Déchirent leur suaire en étirant leurs doigts ;

Colères de boxeur, impudences de faune,
Toi qui sus ramasser la beauté des goujats,
Grand coeur gonflé d'orgueil, homme débile et jaune,
Puget, mélancolique empereur des forçats,

Watteau, ce carnaval où bien des coeurs illustres,
Comme des papillons, errent en flamboyant,
Décors frais et légers éclairés par des lustres
Qui versent la folie à ce bal tournoyant ;

  

Goya, cauchemar plein de choses inconnues,
De foetus qu'on fait cuire au milieu des sabbats,
De vieilles au miroir et d'enfants toutes nues,
Pour tenter les démons ajustant bien leurs bas ;

Delacroix, lac de sang hanté des mauvais anges,
Ombragé par un bois de sapins toujours vert,
Où, sous un ciel chagrin, des fanfares étranges
Passent, comme un soupir étouffé de Weber ;

Ces malédictions, ces blasphèmes, ces plaintes,
Ces extases, ces cris, ces pleurs, ces Te Deum,
Sont un écho redit par mille labyrinthes ;
C'est pour les coeurs mortels un divin opium !

C'est un cri répété par mille sentinelles,
Un ordre renvoyé par mille porte-voix ;
C'est un phare allumé sur mille citadelles,
Un appel de chasseurs perdus dans les grands bois !

Car c'est vraiment, Seigneur, le meilleur témoignage
Que nous puissions donner de notre dignité
Que cet ardent sanglot qui roule d'âge en âge
Et vient mourir au bord de votre éternité !

© Photos : Pablo Picasso extraits du "Rideau de scène pour le ballet Mercure, 1924" ; et Centre Pompidou-Metz, représentation de quelques parties du bâtiment, reproduites avec l’aimable autorisation de Shigeru Ban Architects et Jean de Gastines Architectes.

 

INFO+ : http://baudelaire.litteratura.com/

& http://fr.wikipedia.org/wiki/Charles_Baudelaire

http://www.centrepompidou-metz.fr/phares

 

 

"LA FIANCéE AUX SEINS NUS." (1)

Extrait du film : "Elle n'a dansé qu'un seul été."

 

A ma Muse.

Ma tendre Aimée,

Mon bel Amour,

 

 

La liberté, elle-même,

Ne pourra jamais être aussi généreuse que nos rêves

C’est l’été !

Donne-moi la main,

Et ensemble allons près du lac argenté

 

 

Aimons-nous autant que le temps qui passe

Baissons nos regards

Pour mieux vaincre notre timidité

Et dans un embrun de passion, en noir et blanc,

Fusionnons nos âmes

Ta petite robe défaite dans l’obscurité

Se fait l’écho

De tes cheveux et de tes yeux foncés

Nos esprits se prononcent,

Sans discontinuité,

Des mots doux à l’oreille

 

C’est le temps des moissons

Embrassons-nous chaque jour un peu plus

Voici le banc de nos premiers sourires

Celui de l’été campagnard qui n’en finit pas

Comme on travaille la terre,

Notre lumière éclaire ton front,

Chérit nos corps à volonté

 

En cette veille de la Saint-Jean

Nos lèvres s’épousent joyeusement

Dansons toute la Vie l’un contre l’autre

 

 Pour voir un autre extrait du film "Elle n'a dansé qu'un seul été" :

http://www.cinetrafic.fr/arne-mattsson

 

Mes yeux dans les tiens,

Ta tête sur mon épaule,

Le présent nous dévore

Bouquet de fleurs des champs,

Pluie de petits baisers,

Ma belle ces fleurs là

Vivront toujours dans nos cœurs,

Ce sont celles pour qui

On quitte tout par bonheur

 

Allongés en tête à tête dans les herbes folles,

Ta poitrine nue attise en moi

Un feu Grand Format

A couper le souffle

 

 

L’un en l’autre,

Nous ne sommes plus invisibles,

Nos empruntes s’évaporent

Pour ne plus jamais se séparer 

 

Joli brin de femme

Auprès de toi, je fonds comme de la cire

Il y aura d’autres fleurs

Pour toi, mon toit

Le tonnerre se rapproche,

Toi aussi,

Embrasse-moi Ô Claire de Lune

Au grand jour, comme dans la nuit,

Je te regarde comme personne d’autre,

Ton corps prolonge le mien

Viens ma doulce Amie te coucher près de moi

En une seconde, nous sommes déjà au-delà de nos ombres

Il nous faut nous aimer vivants comme si demain n’existe pas

Bien aimer, c'est follement aimer,

Nos cœurs immortalisent, comme pour la première fois,

Notre Amour en partage

Ce pas continu fait l’un vers l'autre,

L’un pour l’autre

© Jean DORVAL, le 10.02.2014, pour LTC Poésie.

 

Note : (1) D’après le très beau film d’Arne Mattson "Elle n’a dansé qu’un seul été."

INFO+ : http://fr.wikipedia.org/wiki/Elle_n'a_dansé_qu'un_seul_été

& http://www.allocine.fr

"SOLOMON NORTHUP : UN HOMME (libre) RENDU ESCLAVE PENDANT 12 ANS."

 

 

Sorti sur les écrans cinématographiques français le 22 janvier dernier, le drame historique, britannico-américain, en VOST, d’une durée de 133 minutes, "Twelve Years A Slave" (typographié "12 Years A Slave" pour mieux souligner la durée de la servitude du héros de cette histoire vraie ; traduction en Français : "Douze Ans d’Esclavage") est produit par Regency Enterprises, Film4, River Road Entertainment et Plan B Entertainment, et distribué par Fox Searchlight Pictures (États-Unis d’Amérique) et Mars Distribution (France). Comparé avec d'autres drames épiques d'une veine similaire, comme "La Liste De Schindler" (1993) ou "La Passion Du Christ" (2004), qui sont devenus des succès au box-office, malgré la gravité respective de leurs sujets, ce film est réalisé par Steve Rodney McQueen dit "Steve McQueen II" qui a déjà remporté la Caméra d'or au Festival de Cannes 2008 pour son film "Hunger". "12 Years A Slave" est un magnifique long-métrage tiré des mémoires de Solomon Northup. A la Prod, on retrouve Brad Pitt, Dede Gardner, Jeremy Kleiner, Bill Pohlad, Steve McQueen II, Arnon Milchan et Anthony Katagas. Cette Toile présentée pour la première fois au festival du film de Tellurique (USA), le 30 août 2013, a reçu un accueil enthousiaste des critiques et fait déjà office de favori dans la course aux Oscars 2014, où elle est nommée dans neuf catégories, dont celle du meilleur film. Au casting, on retrouve dans les rôles principaux : Chiwetel Ejiofor dans le rôle de Solomon Northup ; Michael Fassbender est Edwin Epps ; Benedict Cumberbatch : William Ford ; Paul Dano : John Tibeats ; Paul Giamatti : Theophilus Freeman ; Scoot McNairy : Brown Garret ; Lupita Nyong'o : Patsey ; Adepero Oduye : Eliza Quvenzhané ; Sarah Paulson : Maîtresse Epps ; Brad Pitt : Samuel Bass ; Michael K. Williams : Robert Scoot ; Alfre Woodard : Maîtresse Shaw ; Chris Chalk : Clemens ; Taran Killam : Hamilton ; et Bill Camp : Radburn.

SECRETS DE TOURNAGE…

La Distribution de ce petit bijou cinématographique est "faite sur-mesure". Adam Stockhausen en assure la direction artistique. Avec un budget de 20 millions de dollars, le tournage du film débuté fin juin 2012 à La Nouvelle-Orléans, dure sept semaines et se termine le 13 août 2012. Les décors sont confiés à David Stein. Afin de diminuer les coûts de production, le tournage se déroule principalement dans l'agglomération de La Nouvelle-Orléans, notamment dans la Paroisse de Red River, située au Nord de l'État de Louisiane, à proximité de la zone géographique où Solomon Northup a été esclave ; et dans des sites historiques du Vieux Carré Français de La Nouvelle-Orléans : le "Columns Hotel" et la célèbre maison "Madame John's Legacy". Quatre plantations de coton "Antebellum" (ce qui veut dire en activité avant la Guerre de Sécession, qui dura de 1861 à 1865) sont utilisées comme décor naturel dans ce Vieux Sud pour les besoins du film : "Felicity", "Magnolia", "Bocage" et "Destrehan". La cotonnerie "Magnolia", située près de la ville de Natchitoches et du Lac Sibley, est la plus proche du lieu du martyr de Northup. Le directeur de la photographie, Sean Bobbitt, cadreur principal du film, tourne "12 Years A Slave" en format 35 mm avec une résolution de 2.35:1 grâce à deux caméras Arricam : la LT et la ST ; un format d'image particulièrement adapté aux films d'époque. L’écran large 2.35 quant à lui illustre au mieux la nature épique du sujet du film : l'endurance surhumaine à l’inhumanité. Par contre, McQueen II n’a pas utilisé volontairement un style visuel "désaturé" rappelant trop un documentaire. Il s'inspire du peintre espagnol Francisco de Goya dont les tableaux représentent à la perfection la violence et la torture humaine, tout en restant des chefs-d’œuvre picturaux [cf. "Dos de Mayo" ou "La Charge des Mamelouks" (1814) et "Tres de Mayo" (1814)]. Le montage du film est fait par Joe Walker ce qui ne gâche rien. Avec un délai de huit semaines pour créer les costumes, Patricia Norris, responsable des costumes - qui collabore entre autres avec Western Costume (le Costumiers des principaux studios de cinéma californiens) - a illustré au mieux, selon les vœux du réalisateur, le temps qui passe sur une période de 12 ans et l'exactitude historique des vêtements en s’inspirant de personnages pris dans l'art du XIXe siècle (Peinture de genre, Naturalisme et réalisme, Impressionnisme américain, etc.). Elle se sert d’une palette de couleurs proche par sa variété de celle de la Nature afin de créer plus de 1.000 costumes ; utilisant également des vêtements ayant réellement appartenu à des esclaves. La bande originale du film quant à elle est composée par Hans Zimmer, avec des arrangements au violon de Nicholas Britell, joués par Tim Fain. Elle comprend également quelques morceaux de musique classique, comme le "Trio à cordes en si bémol majeur, D. 471" de Franz Schubert ; de folk américain, tel "Run Nigger Run" de John et Alan Lomax ; et d’artistes comme John Legend, Alicia Keys, Chris Cornell et Alabama Shakes.

 

 

UN SCéNARIO S’INSPIRANT D’UN LIVRE REDéCOUVERT PAR LA FEMME DE MCQUEEN II.

Le réalisateur Steve McQueen II fait la connaissance du scénariste du film John Ridley, en 2008, au cours du visionnage de son film intitulé "Hunger", à la Creative Artists Agency. Il lui parle alors de son intention de faire un film sur la période de l’esclavage aux États-Unis d’Amérique, avec un personnage principal dont la relation avec le commerce des esclaves n'est pas immédiatement évidente. Après plusieurs semaines de travail, les deux hommes ne parvenant pas à ébaucher un scénario, c’est finalement la femme de McQueen II qui redécouvre l’autobiographie de Solomon Northup "Douze Ans d'Esclavage" ("Twelve Years A Slave") publiée en 1853. Un livre qui sidère totalement le réalisateur. Habitant Amsterdam - où Anne Frank est une héroïne nationale - il compare immédiatement ce témoignage poignant au "Journal d'Anne Frank", mais… écrit presque un siècle plus tôt. Il s’investit alors passionnément avec Ridley dans l’adaptation cinématographique de ce récit sur l’esclavage. Pour retranscrire le langage et les dialectes de l'époque, et celui de la région où le film se déroule, il engage le linguiste, Michael Buster, pour faire "coller" les répliques à la réalité. De ce fait, la variété des dialogues oscille entre le style d'écriture et le langage parlé du XIXe siècle, et les textes de la Bible du Roi Jacques. Buster ne sachant pas comment parlent les esclaves dans les années 1840, a tout simplement utilisé des expressions rurales du Mississippi et de la Louisiane pour les personnages d’Ejiofor et de Fassbender. Pour Benedict Cumberbatch, il puisé son inspiration dans le parlé de la haute société de La Nouvelle-Orléans des années 30. Ensuite, il a travaillé avec Lupita Nyong'o - d'origine kényane et ex-étudiante de Yale - jusqu'à ce qu'elle ait un parfait accent américain.

  

 

INFO+ : http://bd.casterman.com

 

UNE HISTOIRE D’HOMME (libre) DEVENU ESCLAVE.

Ce film raconte une des nombreuses pages sombres de l’Histoire des Etats-Unis d’Amérique (esclavage des Afro-américains, génocide des Amérindiens, etc.). En 1841, Solomon Northup, originaire de l’État de New York, vit avec sa femme et leurs deux enfants à Saratoga Springs. Il gagne sa vie en tant que charpentier et joueur de violon. Un jour, il est abordé par deux prétendus artistes qui finissent par le droguer, l’enlever, l'enchaîner et le vendre comme esclave à un négrier du Sud. Northup est alors envoyé par bateau à La Nouvelle-Orléans, où on le renomme "Platt" avant de le vendre au propriétaire d'une plantation…

NORTHUP EST LE SYMBOLE DE LA CAUSE DES AFRO-AMéRICAINS OUBLIéS DE L’HISTOIRE OFFICIELLE.

Un an après "Django Unchained" de Quentin Tarantino, le film militant "12 Years A Slave" remet en avant une revendication légitime de la Cause Noire : le Droit au Devoir de Mémoire pour les Afro-américains victimes de l’esclavage. Mais, cette fois-ci, aucune polémique et aucune contestation ne sont possibles, car le film de McQueen II est l'adaptation fidèle d'un "récit historique d’esclave", celui de Salomon Northup, et non une fiction ! Ce bestseller s’est vendu à 30.000 exemplaires rien que dans les années précédant la Guerre Civile Américaine. Même Spike Lee, activiste de l’exclusivité de la Cause des Afro-américains, ne pourra pas y mettre son habituel grain de sel, puisque ce film est réalisé par McQueen II, un homme de couleur - britannique certes – mais connu pour son tempérament apaisé, et décoré de la fameuse "CBE" (Most Excellent Order of the British Empire). Ce talentueux réalisateur donne comme trame de fond à son film : la dénonciation de l’esclavagisme. Pour ce faire, il sait prendre le recul nécessaire, afin de rester objectif, rendre compte fidèlement, et de manière circonstanciée, de la vie des esclaves du XIXe siècle dans les plantations de coton (une main d’œuvre gratuite, taillable et corvéable à merci...). Son regard sur le Martyr des Afro-américains est brutal, douloureux, viscéral, implacable, réaliste et sans concession. Spécialiste des sujets qui dérangent mis à l’écran, comme le radicalisme politique ("Hunger" en 2008) et l’addiction au sexe ("Shame" en 2011), McQueen II met en scène, sans tabou, son nouveau film ; une aventure individuelle et à la fois collective. Un plan de ce film symbolise particulièrement sa démarche. Reconnu "coupable" de s’être défendu physiquement d'un contremaître blanc voulant le tuer, Northup se retrouve pendu à une corde, avec juste ce qu’il faut d’adhérence au sol pour que, sur la pointe des pieds, étouffant sans expirer, pataugeant dans la boue, il agonise lentement dans d’atroces conditions. Le réalisateur filme cette scène sadique de torture ordinaire (à cette époque) par le biais d'un terrible plan-séquence en fixe, dont le très large spectre irradie toute la souffrance de ce malheureux être humain persécuté injustement, à l’image du Christ, par des "êtres" inhumains (se croyant "supérieurs"... ). Au début Northup, seul, occupe une position centrale dans l’image. Il tente de survivre au prix d’interminables et insoutenables soubresauts. Puis, l’écran se remplit d’esclaves frappés d’une "indifférence-amnésique" ; les adultes vaquant à leurs occupations quotidiennes et les enfants jouant et riant comme si de rien n’était. Cette scène-clé là, à elle seule, symbolise toute la puissance du film : la cruauté de certains blancs et la résignation des Afro-américains devant l’inéluctable, la pire exploitation de l’homme par l’homme, l’esclavage. Si le réalisateur condamne totalement ce honteux système, il nuance cependant son jugement en fonction du degré d’implication des individus qui y collaborent. Par exemple, il marque une différence de traitement dans son scripte entre entre William Ford (le premier maître de Northup), fervent Protestant, soupçonné d’humanité, choisissant la passivité, et Edwin Epps (le second maître de Northup), cruel, névrosé, violant et violentant SA "meilleure ouvrière forcée". Par ailleurs, il souligne au passage, l’indifférence de Northup, lui-même, envers ses semblables maltraités (un flash-back évocateur le rappelle…) lorsqu’il était un homme libre (et donc pas concerné par l'esclavage). Par ailleurs, "12 Years A Slave" se fait l’écho du film français "Vénus Noire" (la "Vénus Hottentote" livrée au racisme des bas-fonds) du réalisateur franco-tunisien Abdellatif Kechiche ("La Vie d’Adèle", etc.) en restant froidement factuel. McQueen Il cicatrise ainsi le passé en s’ouvrant au présent et à l’avenir, avec un regard neuf de paix et de pardon. L’universalité de ce film est confortée tant par les critiques de cinéma que par le public, et par LA Performance unique des acteurs ; notamment Chiwetel Ejiofor, Michael Fassbender et Lupita Nyong'o ("La Révélation du film" pour laquelle on espère au moins un Oscar en mars 2014). McQueen II compare la démarche d'Ejiofor, pleine de sagesse, de classe et de dignité, à celle d'un Sidney Poitier ou d’un Harry Belafonte, précurseurs en la matière. Ce film selon "The New Yorker" est "de loin le meilleur film jamais réalisé sur l'esclavage en Amérique." Richard Corliss dans "Time Magazine" rajoute même que "le film de McQueen est plus proche de son sujet que d'autres films-exposés sur l'esclavage des années 1970 comme « Mandingo » ou « Goodbye Uncle Tom ». (…) McQueen n'est pas un sensationnaliste à bas prix, mais un artiste impitoyable". Il va jusqu’à faire un parallèle entre l’esclavagisme des Etats du Sud Américains et la barbarie de l'Allemagne nazie. Dans tous les cas, le film prouve que le racisme reste d’une insupportable bestialité. Enfin, "Entertainment Weekly" affirme à raison que "12 Years A Slave" "nous fait voir le plus grand péché de l'Amérique avec les yeux grands ouverts." Ce film, aux scènes souvent insoutenables, compense l’inhumanité de son sujet par l'humanité de sa réalisation. Chiwetel Ejiofor campe un Solomon plus vrai que nature, avec une incommensurable force intérieure qui rayonne sans jamais éclipser le cauchemar muet quotidien d’un esclave ; considéré (à tort) comme "un bien meuble" ou comme "une bête de somme" à partir d’interprétations farfelues de la Bible. Ce grand moment cinématographique - alors que les Etats-Unis d’Amérique s’érigent partout en donneurs de leçon de Démocratie, depuis la fin de la Seconde Guerre Mondiale – inspire la modestie. Il a le courage de remettre les pendules de l’Histoire à l’heure. Il dénonce avec ferveur la banalisation du mal et de la terreur infligés jusqu’aux tréfonds de l’âme des esclaves enchaînés, fouettés, la chair à vif. Ce film est aussi pédagogique. Il commémore toutes les atteintes aux Droits de l’Homme remontant à cette époque, et reprécise l’importance pour tous les hommes d’être libres et égaux en Droits. En cela, l’esclavage est une contradiction et une affront au Mythe Franc-maçonnique Fondateur de l’Amérique, qui se voulait un parfait alliage entre "Symphonie du Nouveau Monde" et Démocratie Pour Tous. La Signature audio-visuelle de Steve McQueen II met en exergue la relation torturée entre maître et esclave. En incarnant la Cause Afro-américaine Chiwetel Ejiofor, dans le rôle de Solomon Northup (un concept appelé "the hero problem"), devient un héros plus crédible, plus proche du public. Il s’érige en porte-parole des millions de victimes innocentes de l’esclavage, honteusement oubliées de l’Histoire, et dont on commence seulement à parler. Grâce à ce film, personne ne peut plus dire qu’il ne sait pas. Chacun peut s’imaginer ce qu’est "être un esclavage", se retrouve dans la peau de Northup ; un homme extraordinaire, et ordinaire à la fois, qui échappe miraculeusement au système de haine qui tente de l’asservir. Cette leçon de Vie fait prendre conscience que la seule couleur qui doit compter pour un être humain, ce n’est pas la couleur de sa peau, mais la couleur de son cœur. Cette couleur que chaque être humain a en lui, est la même pour tous devant l’Éternel : elle est multicolore comme l’Amour du Prochain. Un film qui invite donc à dénoncer toutes les formes d’esclavagisme et de racisme passées et présentes, et à se poser la question : à quand un Nuremberg de l’Esclavagisme ? Et Abraham Lincoln de conclure : "Si l'esclavage n'est pas mauvais, rien n'est mauvais."

© Jean DORVAL, le 07.02.2014, pour LTC Kinéma.

 

 

 

 

 

Source documentaire : http://fr.wikipedia.org et "Caméo Nancy & Metz" de Janvier 2014.

INFO+ sur d'autres formes d'esclavage...

LA SCéANCE DE KINéMA(d'LTC).

Attention : Film interdit aux moins de 12 ans.

 

Paul Edgecomb, pensionnaire centenaire d'une maison de retraite, est hanté par ses souvenirs. Gardien-chef du pénitencier de Cold Mountain en 1935, il était chargé de veiller au bon déroulement des exécutions capitales en s’efforçant d'adoucir les derniers moments des condamnés. Parmi eux se trouvait un colosse afro-américain du nom de John Coffey, accusé du viol et du meurtre de deux fillettes. Intrigué par cet homme candide et timide aux dons magiques, "un Miracle de Dieu", Edgecomb va tisser avec lui des liens très forts. Ce film de l'An 2.000, réalisé par Frank Darabont - avec dans les rôles principaux : Tom Hanks (Paul Edgecomb) et Michael Clarke Duncan ("Saint" John Coffey), est un véritable plaidoyer contre la peine de mort. Passionnément Humain, à voir !

JD pour LTC Kinéma.

 

 

 

 

INFO+ : http://fr.wikipedia.org/wiki/La_Ligne_verte_le_film

ACTUELLEMENT SUR VOS éCRANS !

   

INFO+ : http://twentyfeetfromstardom.com/

UNE TRèS BONNE NOUVELLE POUR LES MOINS DE 14 ANS : EN 2014 LA PLACE DE KINéMA EST à 4€ à TOUTES LES SéANCES !

 

INFO+ : http://www.fncf.org

LA BOULEVERSANTE HISTOIRE VRAIE DE PHILOMENA ET ANTHONY LEE.

 

C’est le 08 janvier dernier que le réalisateur Stephen Frears sort dans l’Hexagone "Philomena", un drame tiré d’une histoire vraie ; celle de Philomena et Anthony Lee(1). Dans le rôle de Philomena, on retrouve la sémillante et blonde Sophie Kennedy Clark (qui incarne la jeune Philomena ; une actrice qui passe aussi actuellement sur nos écrans dans "Nymphomaniac" de Lars Von Trier) et l’émouvante Judi Dench (Philomena, mais... en adorable vieille Dame). Judi Dench, une actrice hors norme, qui enchaîne les tournages. De 1995 à 2012, elle joue le rôle de "M" dans la saga des James Bond. Elle est la première femme à diriger le MI-6. En 2006, elle tient le haut de l'affiche dans "Madame Henderson Présente" ; un autre film de Stephen Frears, dans lequel elle campe, dans les années 30, une authentique anglaise, devenue à 69 ans la veuve d'un richissime homme d'affaires, et qui de retour des Indes Britanniques, s’inquiète de sa nouvelle vie… Pendant les 98 mn de "Philomena" Judi Dench partage la vedette avec Steeve Coogan dans le rôle de l’excellent et perspicace Martin Sixsmith. Le fils de Philomena, Anthony Lee, enfant, est joué par Xavier Atkins. Il devient Michael Hess après son adoption ; un rôle tenu par Sean Mahon une fois adulte.

UNE HISTOIRE PAS TRèS CATHOLIQUE.

Irlande, 1952, Philomena Lee, une jeune et naïve adolescente, tombe enceinte après une fatale passade. Vu la mentalité de l’époque, cet "infâme péché" jette l’opprobre sur toute sa famille, sur toute sa communauté. Aussi, elle est immédiatement envoyée au couvent de Roscrea, dans l’abbaye de Sean Ross. Là, elle accouche dans d’atroces conditions ; les sœurs "catholiques" de la "Charité" refusant de lui donner de simples analgésiques pour calmer sa douleur. Il est préférable pour certaines d’entre elles qu’elle meure en couches pour expier "ses péchés"… (No comment !) Elle n’a que 19 ans et elle va travailler comme une esclave pour ces "religieuses" - qui n’ont rien compris de la Charité et du Message Christique - dans l’espoir de garder son garçon qu’elle a prénommé Anthony et pour rembourser "sa dette". En fait, elle est tombée dans un engrenage infernal. Elle ne peut pas participer à l'éducation de son fils, qui se trouve à l’orphelinat de son couvent, et n’est pas autorisée à le voir plus d’une heure par jour, comme de nombreuses autres jeunes filles dans la même cruelle situation. Mais, le pire reste à venir. Et comble de l’inhumanité, arrive le jour où ce fils âgé de trois ans est vendu comme de la marchandise avec son amie Mary (incarnée par l’actrice Mare Winningham à l'âge adulte) à une riche famille américaine "anonyme" qui les adopte, et ce, bien sûr sans le consentement (de cœur) de Philomena et encore moins des enfants vendus. On peut alors aisément comprendre le drame qui se joue. Le déchirement de cette femme qui a porté son enfant pendant neuf mois prend aux tripes.

Après le "péché", l’éternel remord…

Puis, sans transition, on se retrouve de nos jours. Devenue sexagénaire, Philomena qui a enfoui ce drame en elle, depuis plusieurs décennies, a refait sa vie après avoir remboursé sa dette aux religieuses de la honte. Elle a une fille, Jane (Anna Maxwell Martin), et est prise soudainement d’une angoisse bien compréhensible. Tout son passé resurgit. Elle veut savoir ce qu’est devenu son fils et s’il ne manque de rien, et veut absolument lui dire qu’elle ne l’a pas abandonné. Elle avoue ce brûlant secret à Jane. Débute, alors, une palpitante enquête pour retrouver cet enfant devenu un homme. Ancien reporter à la BBC Martin Sixsmith ne sait plus quoi faire de sa vie jusqu’à ce que cette histoire lui soit comptée par Philomena. Ensemble, ils décident de partir sur les traces de ce fils disparu pour en faire un article-témoignage.

DES MèRES MARTYRISéES PAR DES SŒURS DE PEU DE FOI.

Ce film traite donc du sort réservé à beaucoup de jeunes femmes qui ont eu le malheur d’être abandonnées à la charge de certaines "bonnes" sœurs (catholiques), qui sont loin d’être une preuve vivante de la Charité Chrétienne. Un délicat sujet déjà abordé dans d’autres films, tels le brutal "The Magdalene Sisters" de Peter Mullan, paru en 2001 ; dans lequel des jeunes filles vont aussi "être redressées" par la prière forcée, exploitées afin d’expier "leurs péchés" et sauver leur âme. Ce terrible sort réservé à de pauvres femmes, tombées enceintes en dehors du mariage, et subissant le jugement éhonté "de la société des gens bien-pensants et de leurs familles", sont considérées (à tort) comme des "attardées mentales" ou des "marginales". Des jeunes femmes dont "le seul crime" a été de donner la Vie et qui se sont retrouvées enfermées de force dans certaines "institutions religieuses". Quid des "courageux" papas ? Une pratique qu’on ne peut cependant pas généraliser à toute l’Institution Catholique comme le prouve, entre autres exemples, l’Histoire de la Lorraine.

"L’AMOUR EST UNE GRÂCE."

Jadis en Lorraine un tiers des mariages était consommé avant de passer à l’Église. Tout enfant conçu ainsi procurait au futur Papa (mais aussi à la Maman) un certain prestige qui lui valait d’être surnommé "godard" (du latin "gaudare" qui signifie "le réjouit"). Le "godard" aux yeux de tous vérifiait la fameuse expression catholique : "Liebe ist eine Gnade !" (traduction : "L’Amour est une Grâce !"). Cela était un véritable Don du Ciel selon la Tradition Lorraine d’avoir un Enfant avant le Mariage. Alors, pourquoi ne pas avoir étendue cette belle Preuve de l’Amour de Dieu à toute la Chrétienté ?

PHILOMENA DANS LES PAS DU CHRIST, JUSQU’AU PARDON.

Le film "Philomena" plaît d’emblée par son style, car il ne tombe pas dans le "pathos", l’émotion facile. Le réalisateur Stephen Frears et ses scénaristes ont eu l’intelligence d’offrir cette bouleversante histoire vraie comme un portrait débordant de vie, de chaleur et d’espoir en continu. L’opposition entre le total dépouillement du personnage de Philomena et le cynisme abrupte de Martin Sixsmith donne de suite un véritable dynamisme à cette comédie décapante. Quand Philomena lance des répliques crues qu’on n’imaginerait jamais dans la bouche d’une Vieille Dame ; Martin, lui, assène de violentes boutades, et de vindicatives, mais pertinentes, tirades. Jamais Philomena et Martin ne vont chercher à se changer l’un l’autre. Ils seront eux-mêmes jusqu’au bout du film. Un pur réalisme ancrant ce long-métrage dans une sincérité époustouflante. En insufflant au film, humour et rythme, Frears rappelle sans ambages que l’existence se nourrit d’émotions. Mais, il signe une comédie dramatique qui dénonce à juste titre les fautes et les contradictions de certains membres de l’Église Catholique, sans pour autant porter de jugement de valeur et tout en respectant la Foi de tout un chacun. Philomena reste, malgré les épreuves - dont les sœurs irlandaises de l'époque sont responsables et coupables - une Croyante en Dieu et dans le message du Christ, fidèle à l’Église Catholique, consciente que, en plus de 2.000 d’Histoire, comme le disait si bien Saint-François de Sales, "Là où il y a de l’homme, il y a de l’hommerie." Ce drame familial, qui aurait pu être évité avec beaucoup de Compassion, fait dire par un Martin, usé par la colère, devant tant d’injustice, à Philomena : "L’Église doit se confesser, pas vous !" Mais contre toute attente, Philomena en Catholique pardonne aux Sœurs (qui redeviennent) de la Charité. Elle reste Droite et Bonne jusqu’au bout, dans une réserve digne que seule les personnes qui ont énormément souffert savent porter comme les Stigmates du Christ. En Sainte, elle transforme la haine en Amour du Prochain. Elle se transcende, gagne son Ciel sur Terre. Tant de Grâce concentrée en si peu de temps ? C’est aussi rare, mais aussi vrai qu’un Miracle !

© Jean DORVAL, le 21 janvier 2014, pour LTC Kinéma.

Note :

(1)  D’après le livre-enquête de Martin Sixsmith, paru aux éditions des Presses de la Cité.

Source documentaire : http://www.cinemateaser.com/

BIENTôT, TRèS BIENTôT... AU KINéMA !

"NYMPHOMANIAC (PART I)" OU COMMENT ATTEINDRE LE POINT JOE !

 

"Nymphomaniac (Part I)", le film franco-danois hormonal à souhait, pas à bout de souffre, enflamme nos écrans depuis le 1^er janvier dernier. Le Maître Lars Von Trier aborde ici la Sexualité sous tous ses aspects les plus débridés, mais aussi dans toute sa beauté, sa volupté, sans complexe. Ainsi sa Toile nous conte la folle et poétique histoire, le parcours érotique d’une Femme, de sa naissance à l’âge de 50 ans, racontée par elle-même : la très émoustillante Joe (Charlotte Gainsbourg pour les intermèdes contemporains et Stacy Martin pour les flashbacks remontant à la jeunesse). Voilà une Femme qui n’hésite pas à se classer elle-même "nymphomane". Un autodiagnostic qui sert de fil conducteur à son Aventure Sensorielle. La première scène démarre par une froide soirée d’hiver durant laquelle, le vieux et séduisant célibataire, Seligman (Stellan Skarsqard) découvre l’héroïne (Joe) dans une ruelle, allongée sans connaissance, couverte de contusions, suite à une agression. Au début, il veut appeler les secours et la police afin de la faire soigner et tenter de retrouver ses agresseurs. Mais devant son refus, il la ramène chez lui afin de lui prodiguer les premiers soins. Alors, se tisse entre eux, spontanément, un lien, une complicité qui les fait se confier l’un à l’autre sur l’histoire de leur vie respective. Joe est alitée, Seligman assis à côté d’elle sur une chaise. Et c’est là que l’on se rend compte que Lars Van Trier ne veut pas juste parler de « La Chose », pour simplement en parler, et faire de l’audience ; mais plutôt, qu’il fait de ce long-métrage une étude psychologique. Seligman interroge Joe avec beaucoup de subtilité, tout en l’écoutant patiemment, tout en comprenant immédiatement sa sensibilité de Femme fatale, en mal d’Amour permanent, et qui vit une véritable addiction au sexe. Une douzaine d'orgasmes par jour minimum !

 

 

SEXE ET GROS MENSONGES !

Petit à petit, la vie de Seligman se connecte à celle de Joe au travers de ses petites manies de solitaire un peu précieux ; mais aussi grâce aux nombres de Fibonacci qui seraient selon lui partout, jusqu’au premier rapport amoureux de Joe… "2+3=5…". Lui le "pêcheur" à la mouche va faire le parallèle immédiatement entre ses techniques de "ferrage du poisson" et celles qu’utilise Joe "la pécheuse" pour "ferrer les mâles" avec qui elle veut coucher. Dans les deux cas, chacun doit faire une "touche", et au préalable user de tous ses appâts et tactiques pour faire mordre le poisson, quitte à mentir, à leurrer. A ce moment précis, le ton du réalisateur devient plus léger, tout en devenant technique, voire humoristique. Les deux acteurs fusionnent presque. Le film qui se déroule en cinq chapitres devient pour Joe un véritable parcours initiatique à la Candide bercé de mensonges, version Éros, et pour Seligman un manuel vivant du pécheur prenant son inspiration dans les mystères de l’Art de pêcher (ou de pécher) puiser dans la vie de Joe. Le chapitre intitulé "Le parfait pêcheur à la ligne" transforme un banal sachet de chocolat en symbole de Victoire Sexuelle. Le second chapitre, "Jérôme", range arbitrairement tous les hommes dans la catégorie des "Jérôme" (sous-entendu : ces mecs ne pensent vraiment qu’à cela et sont facilement piègeables…). Le troisième chapitre, "Madame H", inverse la vapeur en permettant à une victime de Joe la nympho, briseuse de couples, de prendre sa revanche en direct et sans concession. Dans "Delirium" (4^ème chapitre), Joe accompagne son père jusqu’à sa mort, ce qui ne l’empêche pas de séduire un homme d’entretien dans les sous-sols de l’hôpital pendant une pause. Enfin, dans le cinquième et dernier chapitre, "La petite école de l’orgue", ou la polyphonie de Bach et l’Amour, Joe démontre en Artiste du Sexe, qu’elle sait jouer de trois de ses meilleurs "instruments" (traduisez "amants") - comme Bach de ses notes - pour atteindre "le Point Joe". L’Amant sensible, le dominateur et le parfait Amour, en complémentarité, lui donnent des ailes ! Ce film est gonflé à bloc et choque volontairement son public comme pour le faire sortir de son train-train sexuel⁽¹⁾. Ses dix premières minutes d'intro déboulent à fond la caisse au son d'une BO - le pétaradant "Führe Mich" ("Guidez-moi") - interprétée par les Rammstein. Ce déluge de feu et fer musical fait mordre à l’hameçon de cette oeuvre passionnante qui tient en haleine son public du début à la fin. Pas obscène pour les gens qui ont un peu de vécu, ce film (pas porno) est cependant interdit aux moins de 12 ans. Il est présenté en France dans une version abrégée (avec l’accord de Lars Von Trier), supprimant les gros plans sur les parties génitales, afin de ne pas tomber dans l’exagération ; la version light étant déjà assez hot. "Nymphomaniac" ou comment tomber dans le piège du jeu amoureux et de la dépendance sexuelle. Voilà en tous cas un Art parfois pervers, quelque peu bestial, mais aussi (très) humain, sublimé ! Le Volume 2 du film de Lars Van Trier sort le 29 janvier prochain, il convient au préalable de voir le premier Volume pour en ressentir toute la sensualité, la quête du plaisir au féminin (et masculin).

© Jean DORVAL, le 17.01.2014, pour LTC Kinéma.

 

Note :

(1)    Le nombre de relations sexuelles des Français est de 144 par an, si l'on en croit l'étude Durex 2003, soit 2,67 fois par semaine. Source : http://www.femina.fr/Sexo/Sexualite/Quelle-est-la-frequen...

 © Photo sur la pêche à la mouche ci-dessus :

http://fr.wikipedia.org/wiki/Pêche_à_la_mouche

 

LTC LIVE FAIT PASSER LE COURANT MUSICAL ENTRE LES ÊTRES HUMAINS.

"ERREUR DE LIVRAISON : CUPIDON OFFRE L’AMOUR SUR UN PLATEAU D'ARGENT (heu, dans une LunchBOX en inox...) à ILA & SAAJAN."

Le "Dabbawallah", un système de livraison de "LunchBOX" "100% Made in India". ⁽¹⁾

Le "dabbawallah" ou "dabbawala" - de "dabba", "boîte", et "wallah", "celui qui fait" - appelé aussi "tiffin wallah" - de "tiffin" mot d’argot anglais voulant dire "lunch" - est un livreur de repas faisant partie d'un système de livraison unique au monde, basé en Inde à Mumbai (une ville appelée aussi Bombay) ; la capitale de l'État indien du Maharashtra. Cette mégapole, comptant 12.478.447 habitants en 2011, est la cité la plus peuplée de l’Inde. Elle forme avec ses villes satellites (Navi Mumbai, Bhiwandi, Kalyan, Ulhasnagar et Thane) une agglomération de 18.414.288 habitants ; ce qui lui confère la 5^ème place mondiale. Le trafic routier y étant saturé, les travailleurs utilisent uniquement le train pour se rendre à leur travail et doivent quitter au petit matin leur domicile de banlieue (très éloignée) pour ne pas être en retard. Le système "dabbawallah", qui résout le problème de réchauffement des plats sur les lieux de travail, a été aussi créé afin de permettre aux épouses au foyer de ne pas avoir à cuisiner dans l'urgence, et en même temps, les repas du matin et de la mi-journée de leurs époux. De plus, cela leurs permet de suivre scrupuleusement les règles culinaires en vigueur dans leur caste. Si ce système de logistique appliquée semble simple pour le néophyte, en fait il est très complexe. Les épouses envoient les "LunchBOX" grâce aux "dabbawala" de quartier qui les collectent, les trient, les regroupent et les amènent en vélo jusqu’à la gare la plus proche. Là, d’autres "dabbawala" les mettent dans le train correspondant pour les amener en direction de Mumbai, selon une codification complexe à base de couleurs (destination, destinataire, etc.), palliant l’illettrisme desdits livreurs. A l’arrivée, les boîtes sont débarquées et remises aux "dabbawallah" locaux, qui les livrent aussitôt dans toutes les entreprises de Mumbai. Les boîtes vides sont rassemblées après le déjeuner et renvoyées à leurs expéditrices de la même manière qu'à l'aller. Ce service, qui fonctionne au plus fort de la mousson, alors que toute l'activité économique est désorganisée, est réputé pour son faible coût, sa ponctualité et sa fiabilité. Le taux d'erreur est estimé à 1 pour 16 millions, selon une étude de l’Université d'Harvard (USA) ; ce qui a conduit le Magazine Forbes à faire un judicieux parallèle avec la méthode managériale "Six Sigma" utilisée par Motorola (3,4 erreurs par million d'opérations). Les "dabbawallahs" locaux, aux deux extrémités de cette chaîne humaine de livraison, assurent un service personnalisé à leurs clientes/clients. Comme ils connaissent par cœur leur secteur de livraison, et tous les itinéraires routiers bis en cas d’embouteillage, ils se rendent toujours à destination dans des temps records. La popularité des "dabbawallahs" provient aussi de l'aversion qu’ont les Indiens pour la restauration rapide et de leur préférence pour consommer des plats traditionnels "faits maison" préparés par leurs épouses. On estime que les "dabbawallahs" approvisionnent quotidiennement près de 200.000 clients, et ce, depuis plus d'un siècle. Belle performance !

UN BOLLYWOOD MOVIE à LA TRèS BELLE DISTRIBUTION.

"The LunchBOX" (dont le titre original Hindi est "Dabba") est une romance indo-franco-allemande, écrite et réalisée par Ritesh Batra, distribuée par Happiness Distribution et sortie en France le 11 décembre 2013 ; produite par Sikhya Entertainment et Dar Motion Pictures ; et coproduite par National Film Development Corporation (Inde), ASAP Films (France), Roh Films (Allemagne) et Cine Mosaic (USA). Cette toile qui est tournée en Hindi et en Anglais (VOST), a une durée d’1h42. Son budget est d’environ 1,5 million US$. A sa Direction artistique (décors), on trouve Shruti Gupte qui a formé une équipe technique d’excellence : aux costumes, Niharika Khan ; au montage, John F. Lyons ; à la musique, Max Richter ; à la photographie, Michael Simmonds ; et au son, Michael Kaczmarek. A la distribution, on trouve de grands acteurs et de grandes actrices de la Scène Cinématographique Indienne : Irrfan Khan dans le rôle de "Saajan", Nimrat Kaur ("Ila"), Nawazuddin Siddiqui ("Shaikh"), Denzil Smith ("M. Shroff"), Bharati Achrekar ("Mme Krishnan"), Nakul Vaid ("Le mari d'Ila"), Yavshi Puneet Nagar ("Yavshi") et Lillete Dubey ("La mère d'Ila"). Ce long-métrage a déjà reçu plusieurs Distinctions : le Prix du Festival de Cannes 2013, le Grand Rail d’Or dans le cadre de la Semaine de la Critique ; et au Festival international des jeunes réalisateurs de Saint-Jean-de-Luz 2013, le Chistera du meilleur réalisateur pour Ritesh Batra et le Chistera de la meilleure interprétation masculine pour Irffan Kahn.

 

 

L’AMOUR EST DANS LA GAMELLE.

Ila Singh, une très jolie jeune femme, de la classe moyenne hindoue conservatrice de Mumbai, mère d'une petite fille, souffre d’être outrageusement délaissée par son mari qui n’en a que pour son travail, son téléphone portable [et une autre ou d'autres femme(s) ?]. Aussi, elle décide de le reconquérir par l’estomac, grâce aux conseils culinaires de sa voisine du dessus, Auntie, plus âgée qu’elle, qu’on ne voit jamais et qui veille son époux dans le coma. Les deux femmes communiquent à voix haute, toutes fenêtres ouvertes, et par le biais d’un panier en osier pour leurs échanges (épices, légumes, etc.). Ainsi, Ila concocte avec Amour, pour son homme, de nouveaux petits plats plus succulents les uns que les autres, qu’elle lui expédie en fin de matinée (pour que la nourriture reste chaude), dans les différents compartiments de SA "LunchBOX", par le système tentaculaire des "dabbawallah". Le soir venu, elle s’attend à des compliments de la part de son mari. Mais… celui-ci reste de marbre, car l’erreur de livraison d’une "dabba" sur 16 millions de boîtes livrées évoquée plus haut vient de se produire. Ainsi les délicieux menus d’Ila ne sont pas livrés à son époux, mais accidentellement à Saajan Fernandes, un homme encore séduisant, veuf, taciturne, solitaire, chrétien, et sur le point de prendre sa retraite après 35 ans à la tête du service réclamations de sa société. Ila comprend la méprise quand son mari lui précise qu’il a mangé du chou au lieu de ses courgettes aux épices. Ila glisse alors discrètement dans la "LunchBOX" (au risque que l’erreur ne se reproduise pas… et que la livraison arrive bien à son époux…), au milieu des succulents pains plats, galettes et crêpes (chapati, naan, dosa, etc.), un petit mot, afin de savoir si sa nourriture a plu à cet inconnu. Et comme l'erreur se reproduit, s'inscrit dans le temps, c’est le début d’une relation épistolaire qui voit progressivement chaque bouchée délicate se transformer en petits mots doux, en idylle fleurant bons les épices colorées aux vertus aphrodisiaques, les herbes choisies, les fruits (érotiques) et les légumes goûteux et charnus. Nos deux tourtereaux par correspondance olfactive et gustative vont ainsi transformer le plus grand des hasards en hasard heureux, métamorphosant l’épouse triste en joyeux chef de cuisine jamais à court d’idées, et le veuf mélancolique en homme au sourire retrouvé, plein d’espoir. Cette rencontre à distance, aussi belle qu’imprévue, passe d’ailleurs très vite des compliments aux confidences les plus intimes, jusqu’à faire naître une vraie complicité, voire provoquer une rencontre bien réelle… Cette romance parfumée au curry est absolument charmante, écrite avec intelligence, humanité, subtilité et humour, incarnée par des acteurs enchanteurs. Les seconds rôles eux aussi sont formidables, à l’image de Shaikh, le jeune successeur de Saajan, aussi opiniâtre qu’atypique. Ce brillant imbroglio met en exergue une société indienne séculaire immuable où l’ordre établi, les castes, les tabous sur la différence d’âge et/ou la religion, etc. perdurent à tort. Nos deux héros, que tout oppose, épris de liberté, vont formidablement faire voler en éclat tous ces préjugés, transcendant les différences, bousculant joyeusement les habitudes. Leur relation en devient d’autant plus précieuse et réjouissante qu’elle semble irréalisable. C’est l’occasion pour Ila de s’émanciper d’une existence trop linéaire et réductrice de femme au foyer, et d’illuminer sans le vouloir (du moins au début…) la vie professionnelle et sociale terriblement monotone de Saajan. Les délicieuses pauses repas qu’Ila orchestre avec bon goût, et l’irruption de Shaikh, vont remettre en cause notre futur retraité pour son plus grand bien. Ce film dans lequel tout est bon à manger prouve que certains grands changements de vie arrivent toujours quand on ne s’y attend pas. Saajan rajeunit de dix ans grâce aux spécialités d’Ila, vérifiant le célèbre proverbe lorrain "un bon cuisinier vaut dix médecins" ; ainsi que le proverbe indien "Un mauvais train peut amener à la bonne gare." Peut-on tomber amoureux de quelqu’un qu’on ne connaît pas grâce à sa nourriture ? Tel est le fil (conducteur de ce film) refermant délicatement les aubergines farcies que prépare tendrement Ila pour Saajan !

 

© Jean DORVAL, le 28.12.2013, pour LTC Kinéma.

 

Notes :

(1) Source documentaire : http://fr.wikipedia.org/wiki/Dabbawallah

 
 

NELSON MANDELA : UN PHARE POUR UNE AFRIQUE DU SUD SUR LE CHEMIN DE LA LIBERTé.

 

La splendide toile historique britannico-sud-africaine "Mandela : Un Long Chemin Vers La Liberté" (titre original : "Mandela : A Long Walk To Freedom") est sortie sur nos écrans le 18 décembre 2013, soit 13 jours après la mort de "Madiba" à 95 ans. Ce film réalisé par Justin Chadwick d’une durée de 02h19 comprend une exceptionnelle sélection d’acteurs et d’actrices : Idris Elba est Nelson Mandela, Naomie Harris (Winnie Mandela), Tony Kgoroge (Walter Sisulu), Riaad Moosa (Ahmed Kathrada), Fana Mokoena (Govan Mbeki), Zolani Mkiva (Raymond Mhlaba), Simo Magwaza (Andrew Mlangeni), et Thapelo Mokoena (Elias Motsoaledi). Ce long métrage prend sa source dans l’autobiographie de Mandela "Un Long Chemin Vers La Liberté" publiée en 1995, rédigée et parue durant l’incarcération de ce dernier. Les codétenus de Mandela, dont le rôle est déterminant dans la parution de ces mémoires, ont assuré le travail de relecture et de réduction de la version finale de 600 pages à 50, afin de pouvoir la faire sortir clandestinement de prison. L’adaptation de cet ouvrage de référence donne un film poignant, comme en témoigne Zindzi Mandela - la deuxième fille de Nelson et Winnie Mandela - qui a "retrouvé (…) les émotions de son enfance."

 

 

 

 

UN ŒUVRE CINéMATOGRAPHIQUE PLURIELLE à l’IMAGE DE L’(actuelle) AFRIQUE DU SUD.

Anant Singh, le producteur de ce long métrage sur Mandela, est sud-africain, d’origine indienne. Ancien militant anti-apartheid du Congrès National Africain (l’ANC), ayant subi la ségrégation comme 30 millions de ses compatriotes "non blancs", il connaît particulièrement son sujet. Lorsqu’il débute sa carrière, il est l’un des tous premiers producteurs d’Afrique du Sud à sortir des films engagés. Mais ironie de l’Histoire, il n’a pas le droit de les voir, les cinémas de son pays étant réservés uniquement aux blancs. Aussi, suite à la lecture du manuscrit de Mandela "Un Long Chemin Vers La Liberté", il s’enflamme pour la bonne Cause : "Ça m’a pris le weekend et je lui ai immédiatement dit : il y a de quoi en faire un film considérable, je dois le faire !" Deux mois après, le livre est publié et Hollywood se livre à une indécente surenchère d’offres pécuniaires afin d’obtenir "l'exclusivité" des droits d’adaptation cinématographique. Mandela déclare alors à Singh : "C’est une histoire sud-africaine, c'est toi qui doit la raconter". Il lui cède donc l’intégralité des droits d’adaptation cinématographique tant convoités. Singh se rappelle : "Tout ce que j’ai pu lui offrir en retour était la promesse de faire un film dont il serait fier." Rapidement attelé à sa tâche, Singh va s’entourer d’un duo de choc avec lequel il a déjà collaboré pour "Sarafina !", une comédie musicale retraçant la libération de Nelson Mandela : le producteur américain David M. Thompson et le scénariste anglais William Nicholson. Le choix d'adapter les mémoires de Nelson Mandela se porte sur Nicholson qui n’est pas sud-africain par souci d’impartialité. Seize années sont nécessaires pour arriver à un tel résultat. Au point que Nicholson confie : "C’était une expérience plutôt terrifiante. Je sentais le poids d’une énorme responsabilité : il fallait que je la raconte bien sans passer à côté de l’Histoire. On peut aussi avoir peur d’offenser les gens, d’omettre des faits, de donner une fausse image de toutes ces personnes qui ont vécu cette période, parfois sacrifié leur vie ou tout au moins une grande partie."

QUELQUES SECRETS DES COULISSES DU TOURNAGE…

Mandela : un rôle trois-en-un !

Ce film retraçant soixante-dix ans de la vie de "Madiba", aussi trois acteurs sont nécessaires pour incarner Mandela : Siza Pina (pour l’enfance), Atandwa Kani (de 16 à 23 ans) et Idris Elba (de 23 à 76 ans). Pour faire évoluer le visage d’Elba sur cinquante-trois années de vie de Mandela, de nombreux maquillages spéciaux sont nécessaires. Pour ce faire la chef maquilleuse Megan Tanner a engagé le célèbre maquilleur britannique Mark Coulier, un spécialiste (ex-collaborateur de Dudman dans « Star Wars ») des prothèses faciales, des masques inertes, etc. en mousse de latex, gélatine et silicone, et des lentilles de contact, ayant obtenu l'Oscar du Meilleur maquillage pour "La Dame De Fer" (un autre biopic sorti en 2011).

Des décors sur-mesure et des images d’époque :

La majorité des lieux décrits dans le livre de Mandela ayant radicalement changé ou étant désormais interdits d’accès au public, trouver des décors adaptés au scénario s’avère plus complexe que prévu. De même, pour ne pas réouvrir les cicatrices encore trop récentes du Peuple Sud-Africain en reconstituant en pleine rue des scènes d’affrontement, l’essentiel du film est tourné en studio. Un long métrage complété par des images d’époque quand cela est plus parlant pour le Devoir de Mémoire (le méga-concert de Wembley de 1988 à portée mondiale pour la libération de Nelson Mandela, des prises de parole de l'Archevêque Desmond Tutu, différentes émeutes, etc.)

Des acteurs dans leur propre rôle et un nombre record de figurants :

Il est à signaler que pour rendre plus crédible le film, Justin Chadwick et sa directrice de casting, Moonyeenn Lee, ont remis en situation cent-quarante ex-prisonniers de Robben Island (1) codétenus de près ou de loin de Nelson Mandela. Enfin, avec 12.000 figurants, ce film devient le quatrième de l’Histoire Cinématographique par le nombre de figurants, et ce, juste après "Le Seigneur Des Anneaux : Le Retour Du Roi" (décembre 2003) qui en compte pas moins de 20.600, reléguant par la même à la cinquième place "La Bataille de Solférino", sortie en septembre 2013. Pour réaliser ce film sur Mandela, en raison des 11 langues officielles d’Afrique du Sud, l’intervention du coach dialogue Fiona Ramsey est devenue indispensable, faisant oublier jusqu’à l’accent cockney très prononcé de l’est londonien d’Idris Elba qui a pourtant fait le succès de Michael Caine.

 

MANDELA : UNE VIE DEDIéE à L’éGALITé ENTRE TOUS LES êTRES HUMAINS.

Le film d’Anant Singh débute sur les images lumineuses et colorées de la campagne africaine où Mandela est né et élevé de manière traditionnelle par sa mère. Issu de la famille royale des Thembus de l'ethnie Xhosa, Nelson perd son père à l’âge de neuf ans. Devenu un jeune homme, il gagne Johannesburg où il ouvre le premier cabinet d’avocats noirs et devient un des leaders de l’ANC (une organisation à laquelle il adhère en 1944). Son arrestation le sépare pour trente ans de Winnie, l’Amour de sa vie qui le soutient tout au long de sa captivité et devient à son tour une des figures de proue de l’ANC. "Tata" finit par accéder au titre de premier Président de la République d’Afrique du Sud, noir, et élu démocratiquement.

Par la même, ce biopic retrace le parcours héroïque du Résistant Nelson Mandela, de sa lutte non-violente "à la Gandhi" à la clandestinité, et de sa lutte armée (en réponse à la violence permanente et injustifiée de "l’élite" blanche) à sa condamnation à la prison à perpétuité. La vie de ce Géant Humain est une quête continuelle d’Amour du Prochain, un Combat pour la Liberté et l'Egalité, afin de permettre la construction de "LA" Nation Arc-en-ciel si chère à l'Archevêque Desmond Tutu et symbolisant le Rêve de voir se construire une société sud-africaine post-raciale dans laquelle tout le monde pourra vivre en Paix quelque soit la couleur de sa peau. Un Etat idéal en gestation à l’époque dont chaque Grande Messe Institutionnelle démarrera par "God bless you !" ("Dieu vous bénisse !"), et dont l’Hymne National sera : "Nkosi Sikeleli Afrika." ("Que Dieu bénisse l’Afrique.").

Ce grand angle sur "Madiba" met aussi en scène sa Lutte pour le triomphe du Bien qui devient au fur et à mesure une épopée mythique pour les Droits Civiques : "un homme, une voix", mise en place du suffrage universel direct, fin de la ségrégation raciale et de la domination politique de la minorité blanche au pouvoir, etc. "Tata" devient en quelques décennies charnières un Phare pour l’Humanité dont la persévérance va sortir l’Afrique du Sud de l’impasse et de la guerre civile et raciale dans laquelle elle s’enlise gravement suite à quarante ans d’apartheid. Le poing levé de Mandela et de l’ANC symbolise l’Union des Justes. Seul on n’est rien (chaque doigt pris séparément), ensemble on peut tout (le poing fermé et levé).

 

"Madiba", même au Ciel, reste "LE" Garant de la Paix en ex-terre de haine aux travers de ses propres mots : "Je ne suis pas né avec une faim de liberté. Je suis né libre - libre de toutes les façons que je pouvais connaître. Libre de courir dans les champs près de la hutte de ma mère, libre de nager dans le ruisseau clair qui traversait mon village, libre de faire griller du maïs sous les étoiles et de monter sur le dos large des bœufs au pas lent (...) Ce n'est que lorsque j'ai appris que la liberté de mon enfance n'était qu'une illusion, qu'on m'avait déjà pris ma liberté, que j'ai commencé à avoir faim d'elle." (2) et "J'ai lutté contre la domination blanche et j'ai lutté contre la domination noire. Mon idéal le plus cher a été celui d'une société libre et démocratique dans laquelle tous vivraient en harmonie avec des chances égales. J'espère vivre assez longtemps pour l'atteindre. Mais si cela est nécessaire, c'est un idéal pour lequel je suis prêt à mourir." (3) Que l’Esprit de Mandela puisse rayonner immortel sur toute notre planète comme un exemple à suivre pour la Paix dans les siècles des siècles, et révéler l'Humanité pleine et entière dans son ensemble et dans toute sa beauté !

 

© Jean DORVAL, le 18 décembre 2013, pour LTC Kinéma.

 

INFO+ : http://fr.wikipedia.org/wiki/Nelson_Mandela

 

http://fr.wikipedia.org/wiki/Desmond_Tutu

Source documentaire : http://www.allocine.fr

Notes :

(1) « Robben » signifie « Phoques » en néerlandais ou afrikaans ; aussi « Robben Island » veut dire « L’Ile Aux Phoques »,

(2) Autobiographie,

(3) Lors de la présentation de sa défense au cours du procès de Rivonia, qui le condamne à la prison à vie en 1964.